nuevo texto
Peter Reitberger
Una entrevista con François Maher Presley
François Maher Presley: Su trabajo parece estar caracterizado por dos áreas: líneas gráficas duras; materialidad muy plana en colores fuertes que saltan fuera del cuadro. Juntos, sin embargo, el uno requiere del otro para mantener las imágenes juntas. ¿Cómo desarrolla sus composiciones de color y es así que los gráficos estrictos mantienen la imagen unida, trazan una línea para ella?
Peter Reitberger: El principal interés de mi pintura es principalmente la expresividad del color. El color se transmite de manera más convincente a través de la superficie: en primer lugar, se crea una superficie de primer color, principalmente por un ímpetu voluntario, por puro deseo de un determinado color o de un determinado material de color. En el siguiente paso, reacciono a esta primera superficie con la otra superficie coloreada, que suele estar en algún lugar de la zona complementaria, tanto en términos de valor de color como de su carácter háptico, con el objetivo de crear tensión. Donde estas dos superficies se unen entre sí, surgen fallas relacionadas con el material que no tienen nada que ver con la demarcación gráfica o incluso con los andamios. A veces, las superficies son tan estrechas que parecen líneas, pero siempre son superficies.
Si al principio hay color, el deseo por el color, surge rápidamente la cuestión del contenido que quieres transmitir. ¿Se desarrolla esto con el proceso de composición, similar a cómo Kafka dijo una vez que sus historias continúan escribiéndose solas mientras se escriben, o te preocupa principalmente componer la estética?
La atención no se centra tanto en la composición de la estética como en el desarrollo dialéctico de más campos de color con el objetivo de crear una tensión armonizadora. Comienza un desarrollo de la imagen "similar a un proceso", para seguir con Kafka. Soy consciente de que el diseño de las áreas coloreadas siempre está relacionado con mi autobiografía.
Mencionaste una relación entre las áreas coloreadas diseñadas y tu biografía. Sus padres estaban en el servicio diplomático. Viajaste mucho con ellos, viviste en diferentes culturas, incluso en épocas, se podría decir. ¿Combinas experiencias con colores, con estructuras, e implementas contextos sociales, políticos o económicos en el diseño de tu obra?
La yuxtaposición de superficies de diferentes colores refleja las diversas áreas económicas y culturales internacionales en las que crecí. El color local compite con los sombríos recuerdos atmosféricos de las condiciones locales.
Sin duda, una tensión armonizadora por sí sola es suficiente para transmitir un efecto externo y, en última instancia, solo puede evaluarse en términos de estética. Pero, ¿cuál es el contenido de la oferta para el espectador, para una sociedad, para dar forma al desarrollo a partir de la idea de tu trabajo aquí también?
Mi pintura describe una actitud hacia la vida en una estructura mundial globalizada basada en mi propia experiencia de vida. Ofrece al espectador la oportunidad de reflejarse en estos paisajes globales y tal vez de encontrar su posición en términos de responsabilidad, especialmente ahora que el cambio climático global está desafiando a todas las personas.
Esta vista de su extenso trabajo no será clara para el espectador rápido. Quizás también el sentimiento inconsciente de cada individuo ayude a que el color, la estructura y la forma tomen el relevo del trabajo, una impresión, una sugerencia acepta voluntariamente y estas impresiones inconscientes con las propias experiencias de la gente, con sus propios símbolos e intuiciones se conviertan en un sentimiento común. mezclado en relación con su preocupación no obvia, es decir, en realidad también un poco de su actitud hacia la vida, sus sentimientos y sus sugerencias para moverse, aunque ahora se amplió para incluir la percepción del espectador?
El espectador ciertamente notará el estilo de pintura inicialmente heterogéneo de mis cuadros, lo que significa que los campos de color respectivos de un cuadro siempre se trabajan con una determinada técnica y, por lo tanto, se limitan entre sí más o menos estrechamente. Estos campos de color separados representan las diferentes regiones que he llegado a conocer desde mis primeros días. Esta técnica de pintura de collage se desarrolla a través del proceso de pintura en una armonía cargada de tensión, es decir, todos los opuestos de diferentes regiones reaccionan entre sí. Aquí está mi oferta al espectador para que se identifique con la variedad de colores con el fin de desarrollar una mayor conciencia de nuestro mundo globalizado y, por tanto, su propia posición en él.
Noto cuatro formatos que has usado. Por un lado 160 cm x 160 cm, luego el formato más pequeño de 120 cm x 120, así como 40 x 50 cm y recientemente el formato pequeño de 15 cm x 15 cm. La técnica de pintura es la misma en todas partes. También es posible en todas partes, incluso con los formatos muy pequeños, configurar incluso áreas grandes de manera equilibrada sin romper el marco. ¿Cuál es el motivo de la diferente elección de formatos en su trabajo, y la idea que acaba de describir es el foco de los trabajos pequeños?
El cuadrado es el formato de imagen más neutral. Como no sé al principio hacia dónde va el proceso de pintura, mantengo abierta la definición de arriba y abajo el mayor tiempo posible. En los grandes formatos, desarrollé las imágenes de paisajes abstractos, globalizados, que solo por su tamaño logran una presencia que no se puede pasar por alto. Encontré los formatos verticales rectangulares con carácter de paisaje como un desafío, porque tales capas de paisaje se vuelven completamente diferentes, mucho más abstractas y, por lo tanto, más ambiguas. Esto se contrarresta con los formatos muy pequeños con el mismo tema. En formatos del tamaño de la palma de la mano se crean paisajes abstractos completos que, junto con los grandes formatos, apuntan a una relación micro-macrocosmos, quizás en reminiscencia del pintor Wols, que en los años cuarenta trazó las líneas de sus manos en borradores del tamaño de la palma de la mano.

Las pequeñas imágenes en particular parecen un poco terapéuticas. Uno puede imaginar que el espectador interviene en la obra de Reitberger y participa en la obra, en tamaño y alcance, en declaración y expresión a través de la elección y composición muy personal de las imágenes que le atraen. ¿El arte como comunicación entre artista y espectador, aportando también su propia cosmovisión, una especie de discusión visual?
Franz persigue a través de Baviera en su taxi totalmente descuidado- Este Panagrama, frase en la que cada letra de nuestro alfabeto aparece al menos una vez, es el título de una completa instalación compuesta por muchas de estas pequeñas imágenes de paisajes, que se mostró por primera vez en septiembre de 2009 en la Fábrica de las Artes, luego en forma ampliada con nuevas Se muestra el trabajo. Cada una de las 26 letras representa un color, y la oración en sí representa una imagen maravillosa y surrealista de mi vida errante nómada en mi juventud. Me gustaría invitar al espectador a este viaje.

Share by: